Michael Schäfer - Wie führt man Schauspieler?

0:06 Herzlich Willkommen zu Mastercard, dem Podcast von Filmemacher für Filmemacher mit Filmemacher und übers Filme machen. Danke, dass ihr wieder eingeschaltet habt. Tja, die Berlinale ist vorbei, wir sind wieder da und jetzt fangen wir wieder an mit den regulären. Podcast folgen dazu allerdings noch mal ein ganz kurzer Hinweis.

0:27 Wir haben von vielen Leuten mittlerweile gehört, dass die Podcast Folge über die Berlinale, also wie funktioniert die Berlinale und wie kann man dort am besten Netzwerken? Sehr gut angekommen ist. Das sehen wir auch tatsächlich an den Klickzahlen, und viele Leute haben da wirklich lobend gesagt, dass ihnen das sehr geholfen hat, das freut uns sehr zu hören, dass ihr durch unsere Podcast folgen viel mitnehmen könnt und viel gelernt habt. Das motiviert.

0:54 Und außerdem gibt es uns so n bisschen so den Leitfaden, dass wir das wahrscheinlich nächstes Jahr zur Berlinale noch mal machen werden, so dass ihr vielleicht sogar noch n bisschen besser vorbereitet seid. Darüber denken wir jetzt erstmal aktuell nach, aber heute jetzt erstmal ne normale reguläre Folge heute mit dem Drehbuchautor, Regisseur und Schauspieler Michael Schäfer, Michael Schäfer.

1:19 Dreht seine eigenen Filme, schreibt seine eigenen Filme. Teilweise spielt er sogar in seinen eigenen Filmen mit, ist aber auch Schauspiellehrer an einer Schauspielschule. Und was uns so an ihm fasziniert hat, ist, dass er sich sehr mit dem Thema Schauspielführung beschäftigt hat. Schauspielführung ist etwas, was oft ignoriert wird, besonders von jungen Regisseuren, und deswegen war es uns sehr wichtig, mit ihm darüber zu sprechen.

1:45 Es ist war ein spannendes Gespräch. Hört unbedingt rein, deswegen sage ich nicht an Bühne frei für Michael Schäfer. Bevor wir anfangen, über Schauspielführung zu reden, bevor wir anfangen, über den Dialog am Set zu reden, würde ich gerne noch ein bisschen über dich reden. Der Grund, warum wir dich jetzt hier haben und warum ich denke, dass es sehr spannend ist, dass du da ist. Bist du bist ein Filmemacher 1000 Sache. Kann man so ein bisschen sagen.

2:16 Du bist Schauspieler, ausgebildeter für Film und für Theater, Du schreibst deine eigenen Drehbücher, du konzipierst deine eigenen Filme, du machst Regie und Du lernst auch noch schauspielern, wie man vor der Kamera am besten schauspielert. Könntest du vielleicht den Zuschauern mal so einen ganz kurzen Abriss geben über wie war der Weg dahin und wie bist du dahin gekommen, dass du mit so vielen Bällen auch John Deere. Ich, ich, ich bin in einer in einer Theaterfamilie groß geworden.

2:46 Ja, mein Vater war Schauspieler, meine Mutter Kostümbildnerin, und insofern war diese Welt des der darstellenden Kunst, des Theaters und auch Film, Fernsehen. Mein Vater hat ja auch gedreht, immer so um mich rum, und ich konnte mich als Kind schon nicht entscheiden. Will ich Geschichten schreiben, will ich sie spielen oder will ich sie inszenieren? Das war immer so ein Mischmasch und ich habe dann zwar schlussendlich nach dem Abitur Schauspielausbildung gemacht und arbeite auch nach wie vor als Schauspieler, aber das das Geschichten schreiben und und und inszenieren und Filme machen war immer schon dabei und lief parallel. Und, und so bin ich dann da reingewachsen. Also ich habe schon während der

3:31 Schauspielausbildung angefangen, erste Kurzfilme zu drehen und kleine Videos zu machen, das war ja auch gerade so die Zeit, wo dann die die Kameras erschwinglich wurden, Mini TV und so, und dann habe ich da meine ersten filmischen Schritte gemacht, ja. Und ist es nicht für dich zu sehr kompliziert zu sagen, du hast so viele Bälle und es ist.

3:54 Man verliert zu schnell die Kontrolle. Weißt du was ich meine? Also es gibt ja diesen Satz, den man sagt, wer alles macht, macht nichts wirklich, kennst du den? Den den kenn ich weiß ich nicht, ist mir auch egal, weil ich ich, ich ich merke, ich brauche das, ich genieße es total die Abwechslung zu haben und wenn ich mal jetzt ne Theaterproduktion gemacht hab, dann mal wieder.

4:18 Wo, wo, wo? Ja viel um einen rum ist Publikum, Kolleginnen, Kollegen, Regie und so weiter und dann mal wieder jetzt gerade aktuell zu Hause zu sitzen am am Rechner und einfach nur für mich selber vor mich hinzu arbeiten zu schreiben, genieße ich dann wieder total und freue mich jetzt darauf, wenn die Schule wieder anfängt, wenn die Schauspielschule wieder anfängt zu unterrichten.

4:42 Hab jetzt gerade eine Abschlussklasse, mit denen ich dann die Demobänder drehen muss und dann wieder mit denen klassisch Regie zu machen und die zu inszenieren und mit denen die Abschlussbänder zu drehen. Also das ist diese diese Abwechslung, deshalb Tausendsassa, ich sag immer eierlegende Wollmilchsau das. Der Traum für jeden, der Traum für jede Produktionsfamilie. Nee, ich, ich find das sehr spannend, weil ich, weil ich durch die verschiedenen Perspektiven einfach auch. Unglaublich viel.

5:11 Lerne immer noch. Also ich, ich lerne als Schauspieler sehr viel dadurch, dass ich schreibe, dass ich Regie führe. Als Regisseur hilft es mir, selber zu wissen, wie es ist, vor der Kamera oder auf der Bühne zu stehen, jetzt auch dadurch, dass ich unterrichte, reflektiere ich mein eigenes Schaffen noch mal ganz anders und, und das befruchtet sich gegenseitig extrem und das genieße ich sehr. Was würdest du, wenn dich jemand fragt, was bist du von Beruf, was antwortest du darauf?

5:41 Schauspieler, Drehbuchautoren, verstehst du da? Wirklich so in der Reihenfolge cool, was würdest du sagen in deiner Filmemacher Karriere, was waren so die schönsten Momente und was waren so die Momente wo du am meisten stark sein musstest? Oh naja, schön ist es immer, wenn ein Projekt sei, das jetzt Theater sei, das Film, Fernsehen, Drehbuch. Vorankommt und dann schlussendlich auch auch zur Premiere kommt.

6:10 Und da ist es für mich relativ unerheblich, in welchem dieser Bereiche das jetzt passiert. Hart ist es immer dann, wenn man in diese Mühle kommt, im berühmten Kampf gegen die Windmühlen, wenn man aus diesem kreativen Prozess, den wir ja als Filmemacher, als Schauspieler, als Autoren immer haben wollen. Ausgebremst wird und dann gegen die Bürokratie prallt, gegen die Mauern der Bürokratie prallt, sei es bei Förderinstitutionen, sei es bei Sendern, sei es bei Theatern und dann da eben gegen diese Widerstände stößt, die eigentlich nichts mehr mit dem Projekt selber zu tun haben und mit dem kreativen Prozess zu tun haben.

6:58 Sondern dann irgendwelches Schubladendenken vorherrscht, irgendwelche Budgets, Hierarchien. Der eine gönnt dem das nicht, diese ganzen Strukturen dann, und das ist dann schon manchmal sehr zäh und sehr hart und sehr frustrierend. Also quasi in dem Moment, wo du gar nicht mehr Künstler bist, sondern Verkäufer.

7:15 Eigentlich. Ja oder einfach nur noch? Bittsteller oder Formularausfüller oder oder Opfer von irgendwelchen bürokratischen Strukturen, die man selber gar nicht genau durchschaut, geschweige dann irgendwie beeinflussen. Kann quasi das Schloss von Kafka. So in etwa. Steht da. Man hat keine Ahnung.

7:34 Genau OK, gehen wir doch mal ganz kurz zum Thema Schauspielführung über, also gehen wir mal rein in das Thema, was würdest du denn sagen was? Bedeutet das Wort Schauspielführung für dich? Und warum macht es Sinn, sich damit genauer zu beschäftigen? Also was bedeutet der Begriff Schauspielung für für dich? Schauspielführung heißt für mich ein ein Neudeutsch würde man Coaching sagen, ein eine Hilfestellung im Bereich der darstellenden Kunst für Schauspielerinnen. Ihnen zur Seite zu stehen und Ihnen in dem kreativen Prozess, den sie durchgehen, der ja auch mit inneren Widerständen zu tun hat, wo man manchmal den Ball vor lauter Bäumen nicht mehr sieht, wo man auch manchmal Grenzen überschreiten muss oder sollte, auch emotionaler Art in

8:25 seinem Schaffensprozess da eine Hilfestellung zu geben, den Weg aufzuzeigen, eine Idee Reinzugeben in Input Reinzugeben, sodass die Schauspielerinnen und Schauspieler dann eben. Einen einfacheren Zugang haben oder überhaupt einen Zugang finden in einen Bereich, in dem sie vielleicht vorher noch gar nicht gewesen sind, ja.

8:47 Du hast ja bestimmt auch als Schauspieler schon mit sehr vielen Regisseuren gearbeitet und kannst ja bestimmt, also wir brauchen ja keinen Namen, sondern ich möchte jetzt einfach nur, was würdest du sagen, das war ein ganz schlechter regisseurstile regiestile oder was sind Regiestile, die auch Leute vermeiden sollen? Wenn sie versuchen, mit Schauspielern zu arbeiten, und was ist so ein Stil, wo du sagst, da sollte es am besten hingehen?

9:06 Weißt du was ich meine? Ja, ich weiß ja genau was du meinst. Also als schwierig empfinde ich es persönlich und erlebe es auch immer wieder, wenn wenn ich sehe, wie dann manche Kolleginnen und Kollegen mit der Regie zu kämpfen haben und man so als Beobachter nebenbei steht und oder auch als als. Einfach neugieriger am Set oder so als Besucher. Schwierig finde ich es immer dann, wenn die Regie das Ziel vor den Prozess stellt, also ein ein, ein konkretes Ziel vorgibt und dann tierisch gefrustet ist, wenn der Schauspieler oder die Schauspielerin dieses Ziel nicht sofort erreicht. Und dadurch einen unglaublichen Druck aufbaut, anstatt erstmal zu gucken, mit wem habe ich es da eigentlich zu tun? Ich habe ja einen Mensch vor

10:05 mir, der hat eine bestimmte Persönlichkeit, der hat seine individuelle Ausdrucksweise, sein individuelles Temperament, seine Persönlichkeit, seine Emotionalität und schwierig wird es immer dann, wenn wenn die Regie aus aus der eigenen Perspektive raus denkt und sagt und und. Man man dann schon das Bild im Kopf der Regie sieht, so würde ich das machen. Und so muss der oder diejenige das jetzt bitte auch machen, obwohl es überhaupt nicht der Persönlichkeit des Schauspielers oder der Schauspielerin entspricht. Und da erlebe ich oft Konflikte und da wird eine unglaubliche Energie im Probenprozess oder im Drehprozess drauf verwendet, sich mit diesem mit, mit dieser Diskrepanz auseinanderzusetzen. Will heißen, quasi der Regisseur

10:57 hat schon eine Idee, dass, und das passiert dann und dann, genau so will er es dann haben. Zum Beispiel ne und und und. Ich finde es da immer wichtig oder Regisseure und Regisseurinnen die, die ich persönlich als gut empfinde und wo ich sehe, dass dass die dann auch es schaffen, dass man über seine Grenzen hinausgeht, sind die, die erstmal gucken, mit wem habe ich es da überhaupt zu tun und die natürlich wissen.

11:25 Wo will ich mit der Szene oder mit dieser Figur hin? Also, die sozusagen die Wirkung und das Ende das Ziel definieren, aber der Weg dahin? Den sie noch offen lassen quasi. Ist dem Schauspieler und der Schauspielerin überlassen und ob das jetzt mit dieser Geste oder mit jener Geste oder mit diesem Temperament oder mit jedem Temperament passiert, ist erstmal offen. Da gucken wir dann, in welche Richtung es geht, solange wir. Den Sinn und Zweck, den dramaturgischen und auch den emotionalen Zweck und das Ziel der Szene erfüllen. Will heißen, als Regisseur gehst du quasi hinzu. Den Schauspielern sagst, das sind die Emotionen, durch die du durchgehen wirst und wie du das machst. Im Einzelnen musst du gucken

12:12 oder wie, wie muss ich mir konkret vorstellen? Also ich persönlich definiere das Ziel, ich ich. Ich überlege mir, und das passiert natürlich auch im Dialog mit den mit den Darstellerinnen und Darstellern, was ist Sinn und Zweck dieser Szene, die wir jetzt konkret drehen oder an dem wir gerade. Innerhalb des Films sitzen.

12:34 OK, innerhalb des Films oder des Theaterstücks, Das ist ja egal. Also was passiert hier wo welche, welcher Konflikt ist hier in dieser Szene? Was soll diese Szene am Schluss beim Publikum bewirken? Was soll sie uns erzählen, was soll sie ausdrücken, welche Emotionalität soll sie haben? Das heißt, ich definiere das, das das Schlussbild grob, und dann schaue ich erst einmal, was wird mir angeboten, wie versuchen die Kolleginnen und Kollegen dahin zu kommen.

13:12 Und dann kommt der Aspekt der Schauspielführung rein. Das ist ja mehr in diese Richtung Schubse oder mehr in jene Richtung Schubse oder gucke hier mehr so mehr, so mehr anders emotionalen Input gebe noch mal ein paar Ideen reingebe, aber für mich ist immer wichtig, dass dass dass der kreative Prozess nicht einseitig ist.

13:32 Von der Regierichtung Richtung Schauspiel und Schauspielerinnen und Schauspieler nur noch Erfüllungsgehilfen sind. Sondern dass die eigenen Ideen haben, dass sie selber auf die Ideen kommen und und und selber Input geben und sagen, ah, ich weiß wo du hin willst, ich hätte da ne Idee. Ja lass uns das mal ausprobieren, dann entsteht Kreativität, dann entsteht Energie, dann entsteht das, was ich immer als Ping Pong Spiel bezeichne, man pusht sich so gegenseitig hoch und es stellt sich auch ein ganz interessanter psychologischer Effekt ein, weil in dem Moment die Schauspielerinnen und Schauspieler das Gefühl haben, das was sie da machen, hat wirklich was mit ihnen zu tun.

14:10 Es ist ein Stück weit auch ihre Inszenierung, es ist ihre Kreativität, ihr Baby, und in dem Moment findet eine ganz andere Ebene der Identifikation statt und damit eine ganz andere Energie und und spiellust und und auch ein ganz anderes Selbstbewusstsein, als wenn ich auf die Bühne gehe oder vor die Kamera gehe und permanent das Gefühl habe, und das kenne ich eben von mir selbst als Schauspieler auch.

14:36 Das passt mir eigentlich nicht, was ich hier mache, das ist eigentlich nicht mein Ding, du bist. Eigentlich eine Puppe. Ja, ich bin eine Puppe und und das, was ich hier machen soll, das entspricht überhaupt nicht meinem Temperament und überhaupt nicht meiner Persönlichkeit, meiner individuellen Persönlichkeit und.

14:52 Selbst wenn es so ist, dass dass der Regisseur ein bestimmtes Ziel hat, dass er eine eine bestimmte Weise haben will, dann muss er halt quasi Schauspieler Schritt für Schritt. In den Prozess mit Reinführen würdest du das sagen? Also es gibt ja, du hast mir mal so n schönes Beispiel erzählt, von einer von einem einer Szene, wo eine Schauspielerin weinen sollte und es nicht hingekriegt hat.

15:11 Konntest du das mal erzählen, weil ich finde das ist n schönes Beispiel für wie man eine Szene bauen kann und wie man vielleicht durch eine gute Führung weißt du wirklich wo? Ja, ich will. Ich weiß was du meinst, ja. Durch eine gute Führung quasi ein Problem gelöst bekommt mit einem Schauspieler. Da kommt dann, da kommt dann.

15:29 Die ich sag jetzt mal die Kunst der Schauspielführung ins Spiel. Da wird es dann spannend und das unterscheidet sich dann auch von von der von der Regie. Also ich persönlich mach immer einen Unterschied zwischen Regie und Schauspielführung, das sind für mich 2 verschiedene Dinge, die im besten Falle miteinander Hand in Hand. Jetzt musst du aber auch definieren, was das sein ist und was das andere.

15:47 Aber nicht immer. Regie ist für mich die die Konzeption, die Gestaltung. Des Werkes worum es dann am Ende geht, sei es jetzt Film, sei es Theaterstück, sei es Fernsehen, Serie, was auch immer schauspielführung ist, ist, wie ich eingangs sagte, eher die, die die Hilfestellung im kreativen Prozess der Schauspielerin und der Schauspiel und des Schauspielers.

16:18 Ich kenne hervorragende Regisseure, die aber grauenvolle. Schauspielführer sind, ich kenne es umgekehrt, ich kenne Leute, die sind hervorragende Schauspiel in der Schauspielführung großartig, verlieren, dann aber in der Gesamtkonzeption des Werkes den Überblick und und, und. Und auch die organisatorischen Fähigkeiten, die eine Regie auch durchaus braucht, und die Königsklasse sind natürlich diejenigen, die beides beherrschen, so. Jetzt zum Zurück zum zum zu zu der Frage Schauspielführung an diesem konkreten Beispiel, dass.

16:58 Du wahrscheinlich noch mal klären. Musst eine junge Kollegin hatte hatte eine eine Szene zu spielen in einem Theaterstück und der Bruder kommt nach Hause und in dem Moment, wo er durch die Tür reinkommt, wird ihr klar, dass das Drama, was sich an zu. Was, was im Raum stand, doch nicht passiert ist, nämlich dass ein Mord passiert und dieser Bruder tot ist, sondern er kommt dann und sie sieht, oh, es ist doch nicht so passiert, wie ich befürchtet hatte.

17:29 Er lebt, und die die Regisseurin meinte jetzt, also du springst auf, fällst ihm um den Hals, bist erleichtert, dass er doch lebt, dass du deinen Bruder doch im Arm hast und vor lauter Glück fängst du jetzt an zu heulen. Und das war für die für die Schauspielerin, die ist jetzt auch noch noch noch jung und unerfahren, war das aber ein großes Problem, weil sie sagte, in dem Moment ist Weinen für mich emotional total weit weg, weil ich bin einfach nur froh, ich würde eher lachen, dass der da ist. Wir haben quasi jetzt folgende Situation. Die Regieeinweisung ist zwar klar, aber das Ergebnis ist nicht also diese Emotion, die vorgegeben wird, führt nicht zu dem Ergebnis, was eigentlich der

18:18 Regisseur haben wollte. Der Regisseur wollte Weinen haben, an dieser Stelle hat es versucht, durch die Emotion hinzukriegen, du bist so erfreut, dass du ihn wieder siehst. Du bist so erleichtert. Genau. Genau. Und jetzt ist halt die Frage, wie kriegen wir das hin, dass es, dass sie trotzdem noch weint.

18:33 So, und, und das ist so n klassischer Konflikt. Ich hab auf der einen Seite. Die Regie, die das Ergebnis A will. Ich habe auf der anderen Seite die Schauspielerin, die von ihrem Temperament, von ihrer Persönlichkeit her eher b Zugang dazu hat. Ja, sie sagt in dem Moment zu weinen ist. Also ich konnte es einfach nicht, ich, ich konnte es nicht hingehen, ich kann weinen, so ist es nicht, aber nicht in dieser Situation. Konfliktunterschied wie jetzt die Lösung, und da habe ich zum Beispiel die Erfahrung gemacht mit etwas, was ich substitutsemotion nenne, das heißt, ich muss die Szene nicht zwangsläufig als Schauspieler so spielen und als Schauspielführer auch nicht so bauen, wie sie tatsächlich im Stück in der realen Situation des Stückes

19:28 existiert, sondern ich kann mir eine komplett andere Geschichte bauen, wenn sie mir den. Emotionalen Zugang zu dieser Szene ermöglicht fürs Publikum, erzählt sich trotzdem die Variante, wie sie im Buch steht oder wie sie dann später auf der Leinwand passieren soll, um bei dem konkreten Beispiel zu bleiben, habe ich zu der Kollegin gesagt, in dem Moment, wo der Kollege reinkommt, der deinen Bruder spielt, definiere diese Figur einfach um, da kommt nicht dein Bruder rein und du bist froh darüber, dass. Dass er noch lebt, wenn die Regie jetzt möchte, dass du da weinst, dann kommt da der Pfarrer rein, der dir die Todesnachricht überbringt, dass dein Bruder ermordet wurde als Beispiel.

20:18 So kann natürlich auch eine andere Figur. Ja klasse, egal aber. In dem Moment, wenn wenn wenn ihr das hilft. Dann in in die Trauer und in das Weinen zu kommen und sie ihm dann um den Hals fällt, was einfach dann nur ein rein technischer Vorgang ist und sie dann weint. Dann hat die Regie genau das Ergebnis, was sie haben will. Und der Zuschauer kann ja nicht in den Kopf reingucken. Das heißt, er sieht, was die Konnotation der Szene erzählt. Der Bruder kommt zur Tür rein, die Schwester steht auf, fängt an zu heulen.

20:48 Fängt Dialog, ist ja an, der Dialog ist ja der gleiche. Der Dialog ist der Gleiche. Die Situation ist die gleiche und die Schauspielerin heult und ich als Zuschauer sehe, ja, sie heult vor Erleichterung, weil er, weil der Bruder noch lebt. Wie nennst du das Substitution? Substitutsemotion also ich, ich baue mir einen anderen emotionalen Bogen als der, der tatsächlich. Vom vom vom Drehbuch oder vom Stück her erzählt wird. Und das wäre dann wahrscheinlich auch die Taktik, die dann am besten einen Regisseur machen könnte. So auch eine Taktik, die einmal als Regisseur machen könnte, sag OK, das und das funktioniert nicht, also stell es dir lieber so vor.

21:23 Zum Beispiel? Gutes, gutes Ding. Was ist mit Schauspielführung in Extremsituationen? Ich weiß nicht, ob du das schon mal hattest, aber es ist, darüber habe ich lange nachgedacht, als ich das den Podcast vorbereitet habe. Es gibt ja bestimmte Situationen, wie zum Beispiel, wenn es um körperliche Gewalt geht, auch wenn es um was geht, wie Erotik und Sexualität, ja, wie ist ja ein sehr prekäres Thema, wie wie macht man da schauspielführung. Weißt du was ich meine?

21:52 Also was ist das so, die du. Mit einem hohen Maß an Sensibilität, also eben irgendein schlauer Mensch hat mal gesagt, die Schauspielerei ist neben der Sexualität der intimste Umgang zweier Menschen miteinander. OK. Und das kann ich nur unterschreiben, weil und da geht es ja nicht unbedingt um körperliche, emotionale Intimität, sondern eben auch um um emotionale Intimität. Wenn es jetzt um extreme emotionale Szenen geht, Sexualität, Vergewaltigung, was auch immer, dann muss ich da natürlich auch von Seiten der Regie her sehr sensibel rangehen, vorsichtig rangehen und auch da umso mehr erstmal gucken, wer sind die Menschen, mit denen ich da arbeite, wie gehen die damit um?

22:49 Wie reagieren Sie da drauf? Also Menschenkenntnis und und die Fähigkeit, sich auf das gegenüber erstmal einzulassen und zu schauen, was sind das für Menschen, mit denen ich da zu tun habe, finde ich eine ganz, ganz wichtige Eigenschaft der Regie und hier umso mehr und, und dazu zählen dann entsprechende Vorgespräche. Ein entsprechender Probenprozess, wo man sich erst mal einander annähert, wo man auch ganz klar Grenzen definiert von beiden Seiten und sagt, das ist erlaubt, hier ist Schluss, dass man zum Beispiel auch Code Gesten ausmacht, wenn ich dir am Ohrläppchen Fummel, dann ist gut ist Stopp. Codewort.

23:46 Und und sich dann da einfach einfindet und das vor allen Dingen auch erst einmal den betreffenden Schauspielerinnen und Schauspielern überlässt. Also wie weit sie gehen. Wie weit sie gehen und wie sie diese Szene erstmal angehen wollen, weil ich ich glaube und auch meine Erfahrung ist es, wenn man da von Seiten der Regie schon mit mit Vorgaben reinkommt, und das passiert dann so und so und so, und dann machst du dies und machst du jenes, dann ist natürlich erstmal. Die reflexreaktion Abstand ne zu machen. Das ist ja auch natürlich, weil das sind ja auch natürliche, gibt natürliche Grenzen.

24:21 Also ich meine Vergewaltigung, da bin ich gar nicht drauf gekommen, Oh klar, Vergewaltigung ist ja auch so n wirkliches Thema, was wenn jemand damit extreme ne Probleme hätte? Wir müssen damit umgehen können, sonst können wir nicht Schauspieler werden. Ne. Also das ist natürlich Teil unseres Jobs, aber ich ich bin trotzdem kein Fan von nur weil jemand Schauspielerin oder Schauspieler ist, kann ich als Regisseur einfach. Machen, dass du einfach die.

24:45 Liste machen und über diese Menschen verfügen. Ja, genau. Am Ende des Tages sind auch Menschen halt und jeder Mensch hat, wie du gesagt hast, Grenzen. Jeder Mensch hat Sachen dir, die für ihn ein Problem darstellen können, potenziell und was auch ne Gefahrenzone ist blöd emotional. Allen in der Fernsehen. Und hinzu kommt ja noch, dass das ist ja ein kreativer Prozess ist.

25:07 Wir wollen ja Sachen erschaffen, wir wollen ja Emotionen, Szenen, Bilder erschaffen und ein ein, ein amerikanischer Schauspielcoach und Regiecoach, mit dem ich mal gearbeitet habe, hat mal gesagt, die die wichtigste Aufgabe eines Regisseurs und einer Regisseurin am Set ist, für eine Atmosphäre zu sorgen, die allen Beteiligten vor und hinter der Kamera.

25:31 Es ermöglicht das größtmögliche Maß an Kreativität auszuleben. Und das sehe ich für. Gerade in solchen Situationen ist es extrem wichtig, also in dem Moment, wo ich den den betreffenden Schauspielerinnen und schauspielern erstmal das Spielfeld überlasse und sage, trefft euch, sprecht euch ab, probt, macht, tut. Und vielleicht komme ich als Regisseur erst etwas später wieder dazu.

25:56 Ich komme dann erst später dazu und und und. Geb dann meinen Input dazu, aber macht erstmal für euch. Dann gebe ich denen die Möglichkeit vertrauen und und und und Sicherheit und Selbstsicherheit zueinander zu finden und auch in der Situation zu finden und das ist die Basis für Kreativität. Wenn dann die Ideen sprudeln und wenn dann eine Atmosphäre zustande kommt.

26:22 Wo man sagt, lass uns arbeiten und dann ist vielleicht auch alles erlaubt oder fast alles erlaubt, dann haben wir ja alle gewonnen. Ja, in dem Fall würde ja auch eine Art Gewöhnungsprozess einsetzen. Man, man gewöhnt sich an das Material, man gewöhnt sich an an an den Spiel, an den Spielpartner, also es ist ja nicht mehr so plötzlich Zack in Your Face und jetzt ausziehen und los. Also ich habe jetzt mal ganz konkret bei meinem. Einer meiner ersten Kurzfilme, und das war tatsächlich die erste Sexszene, die ich zu inszenieren hatte. Hattest du schon mal eine gespielt? Vorhin?

27:02 Vor damals glaube ich noch nicht. Nee, ich hatte noch keine gespielt. Also hattest du auch gar keine eigene Erfahrung, die wir mit reinbringen. Ich glaube nicht. Nee, OK, und es war auch noch dummerweise so, dass es gleich der erste. Drehtag war die erste Szene am ersten Drehtag, also weder das Team noch die Schauspieler hatten irgendwie große Möglichkeiten, mal ein bisschen miteinander warm zu werden, und da war es genauso, dass dass ich denen erstmal und die sich das auch genommen haben und gesagt haben, lass uns mal machen, wir, wir machen da mal was so, und dann habe ich die in Ruhe gelassen, habe mich weiter um das Set und alles mögliche andere gekümmert.

27:42 Und, und die hatten dann weiß ich nicht 1015 20 Minuten Zeit, einfach mal miteinander warm zu werden, zu gucken, was geht, was geht nicht und und dann hatten die sich sofort gefunden, die hatten auch sofort ein Draht zueinander und dann? Da das. Ein Klacks also. Das war dann kein großes Ding, aber.

28:03 Das war auch wirklich, aber da gab es wirklich gar keinen Probeprozess vorher. In dem Fall nee, das war wirklich, wie wir es gerade gesagt haben, wie es eigentlich nicht sein sollte, erster Tag, keiner kennt sie was, man hat sich doch gar nicht anders. Super, genau das sind so viele. Daher ist man ja auch raus klein, aber in dem Moment hat es ja auch wirklich funktioniert. Also es war wirklich auch auch Glück, ne. Das hätte auch.

28:27 Schief gehen können, das hätte natürlich, das hätte auch komplett schief gehen können. Gehen wir doch mal, wenn wir schon mal dabei sind, gehen wir doch mal den ganzen Prozess. Sagen wir jetzt mal die Beziehung. Regisseur, Schauspieler der Reihe nach durch und ein Paar, da würde ich von dir gerne mal so deinen Importeuren was für dich da wichtig ist. Also gehen wir mal.

28:46 Der erste Prozess ist ja wahrscheinlich Casting, das ist ja das ist das, was ganz am Anfang steht von allen was wie castet man den richtigen Schauspieler für die richtige Rolle. Das ist eine sehr gute Frage. Ich muss dazu sagen, dass. Ich glaube, ein ganz, ganz schlechter Besetzer bin. Wieso? Weil ich so viele Typen an Schauspielerinnen und Schauspieler spannend finde. Wenn ich für eine, wenn ich, wenn ich eine Rolle zu besetzen habe, dass es mir ganz, ganz schwer fällt, mich da wirklich schlussendlich zu entscheiden, also. Ich, ich bin da immer sehr froh mit Casterinnen und Castern an meiner Seite zusammenzuarbeiten, die mir dann wiederum die Besetzungsführung sozusagen geben und mich da coachen und in eine gewisse Richtung schubsen,

29:49 weil ich einfach so viele Aspekte an der Schauspielerei und an an Schauspielerinnen und Schauspielern und an Typen spannend finde, dass ich da manchmal in so einem. In so ein Karussell reinkommen und sind so ein Strudel reinkommen, aus dem ich dann nicht mehr rauskommen, wo ich dann denke, ja, aber die Figur hätte mit dieser Besetzung eher so diesen. Du siehst die Variation, die.

30:14 Variante noch drin und und er würde das aber anders, aber das ist auch spannend und verdammt ne so. Er würde noch diesen Aspekt mit reinbringen und er hätte dann noch. Genau. Grundsätzlich ist es beim Casting natürlich wichtig, den richtigen Typen zu finden. Das ist dann nicht immer möglich, es gibt ja ganz berühmte Beispiele, wo dann hier am Ende jemand ganz anderes die Rollen gespielt hat, was ursprünglich mal vorgesehen war, das ist ja manchmal wirklich lustig, wenn man das dann liest. Bei Werner Herzog ist dann am Schluss immer Klaus Kinski. Und also es gibt ja auch auch ikonografische Figuren. Ja, also wenn wenn Tom Selleck sollte ursprünglich Indiana Jones spielen, so heutzutage

31:10 kann man sich das nicht mehr ohne Harrison Ford vorstellen und also es ist ja dann nicht nur eine Frage, wen will ich haben, sondern es ist ja auch die Frage, wen kriege ich, wer hat Lust drauf auf das Projekt, Wer hat die Zeit. Und so weiter und so weiter für mich persönlich unter diesem was, was ich vorhin sagte unter diesem unter dieser Überschrift für eine möglichst kreative Situation und Atmosphäre am Set zu sorgen, finde ich es immer wichtig, mit Menschen zusammenzuarbeiten, die auch persönlich zu mir passen, wo es eine Chemie gibt. Wo man das gleiche Verständnis für die Arbeit hat, das gleiche Verständnis für den Stoff hat, für die Arbeitsweise hat und eine ähnliche Philosophie hat,

32:10 dass. Man quasi die gleiche Sprache spricht. Dass man die gleiche Sprache spricht und dass man, dass man die gleiche Herangehensweise an die. Diesen Arbeitsprozess und an diesen Beruf und und auch an den Stoff selber hat ich habe da die Erfahrung gemacht, die wenn wenn eben die Atmosphäre stimmt, wenn die Zusammenarbeit stimmt, dann erreicht man manches Mal mehr.

32:37 Halt der vielleicht vermeintlich bessere Schauspieler oder Schauspielerin. Und man hat aber nur Ärger am Set oder man kommt einfach nicht auf den grünen Zweig miteinander. Na ja, der Vorteil an dieser Methode ist halt, dass du Missverständnisse schneller ausmerzen kannst. Blödes Wort, aber wenn ihr die gleiche Sprache sprecht, dann oder weniger so Missverständnis von wegen, Ach was hat er denn jetzt damit gemeint oder gesagt, sondern wir haben mehr so. Das aber aber, dass auch die die Kreativität und die Energie, die es braucht und die man ja auch entwickelt im Arbeitsprozess in die gleiche Richtung geht.

33:07 Mhm, schwierig wird es ja dann, wenn der eine da lang geht und der andere möchte, aber lieber da lang gehen. Da reden wir gleich noch drüber. Und man dann einfach unglaublich viel Energie und Kraft aufbringen muss, um das irgendwie zusammenzukriegen. Deshalb ist ist ein Castingprozess für mich nicht nur die Frage, die die passende Besetzung zu finden, sondern eben auch den passenden Partner oder die passende Partnerin innerhalb dieses kreativen Projektes zu finden und. Regisseurinnen und Regisseure, die ich kennengelernt habe, die das, die das befolgen, da war ich auch immer wieder überrascht, was dann für Ergebnisse bei rauskommen, was für eine Kreativität entsteht, was für eine Energie am Set oder auf der Bühne entsteht ganz

33:56 konkret. Ich habe mal mit einer Regisseurin zusammengearbeitet, die hat natürlich geguckt, wer passt, auf welche Rolle und wen kann ich mir für was vorstellen, aber sie hat auch. Auch ganz explizit darauf hin gecastet. Wer hat das gleiche oder das ähnliche Arbeitsverständnis wer kann mit meiner Art Regie zu führen, umgehen, wer passt zu mir als Regisseurin, als sparrings Partner und hat daraufhin das Ensemble zusammengebaut und das war eine unglaublich energetische und unglaublich kreative Zusammenarbeit.

34:34 Das war sehr, sehr spannend. Sparringspartner ist ein guter Begriff. Das heißt ja nicht, dass es heißt, dass der gecastete Schauspieler immer zu allem Jahr ein Abend. Sondern überhaupt nicht. Sondern das heißt, dass es ein eine Diskussionskultur gibt. Dass es eine Diskussionskultur gibt und, und und.

34:49 Wie gesagt, dass man, dass man es gibt, ja, es gibt ja nicht den einen Weg der Schauspielerei, und es gibt auch nicht den einen Weg der Regie und auch nicht den einen Weg der Schauspielführung. Es gibt verschiedene Werkzeuge, es gibt verschiedene Philosophien, verschiedene Theorien, verschiedene Methoden und im Endeffekt geht es darum, zu gucken, Menschen zusammenzubringen, vor, aber auch hinter der Kamera bis in die Postproduktion, die zumindest eine relativ große Schnittmenge in dieser Philosophie und in dieser Arbeitsweise haben.

35:29 Und da eben beim Casting. Mit drauf zu achten und zu gucken sind das auch Menschen, die mit mir können und ich mit denen kann und die auch miteinander können, finde ich da einen einen ganz wichtigen Aspekt, den man nicht unterschätzen darf. Ich habe das Gefühl, dass junge Filmemacher vor allen Dingen die, die die ersten Filme oder Videoprojekte umsetzen, eigentlich Casting immer ignorieren, also zumindestens meistens vermeiden, weil meistens wird der übernommen, den man kennt und.

35:58 Und der könnte doch noch mal spielen, oder der ne, oder? Dann ist man auch mal selbst davor. Wie wichtig würdest du sagen, also darf man diesen Projekt diese ich setze noch mal neu an, wie wichtig ist dieser Aspekt Casting auch für ganz beginnende Filmemacher. Ich glaube, es wird gerne vernachlässigt, weil es furchtbar lästig ist. Man will ja loslegen, man will ja loslegen, man will ja drehen. Man hätte am liebsten ey, ich hab hier ein Drehbuch und dann kommt der Scheck auf den Tisch und dann hab ich die Schauspieler und dann wird gedreht, so wie. Es auch meistens ist.

36:29 Nein. So kennen wir es noch so. Jetzt hab ich aber das Problem, ich muss eine Rolle besetzen, dann bewerben sich Dutzende von Schauspielerinnen und schauspielern, manchmal sogar im dreistelligen Bereich. Und natürlich setzt genau das ein, worunter ich ja auch leide, dass man denkt, ja, der ist spannend, aber die ist auch spannend. Also das wäre aber auch cool und der mit dem und so und es gibt einfach unglaublich viele Möglichkeiten und der Mensch ist faul, der greift natürlich als erstes auf das zurück, was er kennt und sagt er, der Kumpel von mir und so, und die kenne ich auch, mit der habe ich auch schon mal zusammengenommen, ist ja bei mir auch der erste Reflex, wenn ich eine Rolle zu besetzen habe, denke ich

37:06 natürlich erst mal an mein eigenes Adressbuch und mit wem habe ich schon mal gearbeitet, wo weiß ich, wir haben eine Chemie zueinander. Und das ist ja ganz, das ist ja ganz logisch, das ist auch ganz natürlich und überhaupt nicht verwerflich. Jetzt hab ich diesen Castingprozess, der ist, der ist zeitaufwendig, dann muss ich den meisten auch noch absagen, macht man ja auch nicht unbedingt gerne. Sollte man aber machen, weg, dann ist. Und es, es glaube es, es schwingt natürlich auch immer die Angst mit, da schon ne Fehlentscheidung zu treffen. Und erst Wochen später beim Set beim Dreh herauszufinden, verdammt, hätte ich doch bloß den anderen genommen. So, und das hemmt natürlich und deshalb finde ich es gut, da mit Casterinnen und Castern

37:56 zusammenzuarbeiten, denen auch ihren Job erstmal zu überlassen, weil die kommen aus einer anderen Perspektive, die haben einen anderen Blickwinkel, die sind nicht so in. In den Arbeitsprozess involviert, wie es die Regie ist. Die kommen aus einer Außensicht. Die sind natürlich in das Projekt involviert und und identifizieren sich damit. Aber sie kommen noch mal aus einem anderen Blickwinkel und haben dadurch auch noch mal einen anderen Abstand und und auch da eben handhabe ich es so, dass ich die erstmal machen lasse, weil ich habe meinen Job, die haben ihren Job, und das ist auch gut, das zu trennen.

38:42 Mhm. Letzter, letzter kleiner Quicktipp zum Thema Casting nehmen wir mal an, man ist jetzt ein komplett Neuling, man möchte seine ersten Film und Videoprojekte machen, wo kommt man an Schauspielern her? Wie man an die rankommt? Na ja, der sagen. Wir mal so normaler Fall, man hat kein Geld, aber man hat ne tolle Idee und man hat halt viel Leidenschaft.

39:04 Der der, der der erste Zugang ist Filmmakers, so die Online Datenbank. Da sind so ziemlich alle Schauspielerinnen und Schauspieler in Deutschland gelistet mit Fotos, mit Demoband, mit Kontaktadressen der Agenturen und und und. Da kann man sich selber gütlich tun und erst mal suchen. Die andere Variante wäre sich eben eine Casterin oder einen Caster zu suchen, auch da gibt es sowohl bei den. Bei den Nachwuchs Casterinnen und Castern, aber auch bei den Etablierten immer wieder die Fälle, dass sie sagen, Hey, tolles Projekt, ich helfe dir da beim Casting auch für kleines Geld.

39:46 Sorry, wenn ich jetzt eure Preise versaue, aber. Ich meine, es ist halt so ne, es ist es gibt n großen Low no Budget Bereich in dieser Branche und den den muss es auch leider also den muss es wohl auch geben. Den muss es halt geben. Einfach aus dem Grund, sonst kommt ja nichts. Also die sind Low und no Budget, das sind ja die Leute, die mit Herzblut reingehen und dann natürlich die neuen Impulse mehr oder minder reingeben und aus No Budget Projekten könnten tatsächlich dann irgendwann filmstudenten werden, aus filmstudenten können wieder Regisseure werden und wenn die. Und und genau genau das gleiche Prinzip ist ja im Castingbereich auch so.

40:24 Also n junger Caster oder? Ne junge Casterin fängt ja auch klein an und und besetzt erstmal Kurzfilme an der Hochschule, oder? Kleinere no Budget Projekte. Also wenn ich jetzt auf die Idee käme, ich werde jetzt Caster, dann fange ich ja auch nicht gleich mit einem Tatort an oder mit einem Kinofilm. Daniel Bull hat sein auch seinen ersten Auftritt in KM studentenprojekten gemacht.

40:45 So, und und also auch da kann man dann mal gucken, was gibt es für für Nachwuchs, Casterinnen und Caster und gucken, ob man da zusammenkommt und. Viele Casterinnen und Caster waren früher auch Schauspielerinnen und Schauspieler und wurden dann zu Rate gezogen. Hey, ich will hier einen Film machen, du bist doch Schauspielerin, kannst du da nicht mal ein paar Kollegen empfehlen oder hast du da nicht Ahnung?

41:12 Und dann haben die mit dieser Arbeit angefangen in einem No Budget studentenfilm und sind dann irgendwann da hängen geblieben und haben die Seite gewechselt. Also Schauspieler mit guten Netzwerkfähigkeiten. Da kann man also. Fündig werden. Also du würdest hauptsächlich über Casters gehen, Caster gehen. Ich persönlich ja, weil wie gesagt, es gibt diesen Beruf und das hat auch seinen Grund, weil die eben noch mal einen anderen Blickwinkel haben, andere Fähigkeiten haben, andere Kontakte haben, andere Sichtweisen haben, der. Nächste Teil wäre wahrscheinlich Proben. Leseprobe was machst du da in der Regel bei deinen Projekten? Also was passiert sagen wir mal zwischen Casting und Dreh. Das ist immer unterschiedlich,

42:00 je nach je nach Projekt und auch den Umständen. Wenn die Zeit für Proben da ist, dann Probe ich durchaus auch, allerdings sehr grob, weil die konkrete Situation am Set immer noch mal eine andere ist. Und ich bin ein großer Fan von. Von Spontanität und Impulsivität also, die, die den Moment, wie er da ist, zu nehmen und auf sich wirken zu lassen und daraus Impulse zu ziehen und und die Emotionalität und die Situation zu ziehen. Meinst du Improvisation?

42:38 Nee, ich meine nicht Improvisation, sondern die, die. Die Spontanität innerhalb des gesetzten Rahmens, sprich ich habe das Set, ich habe das Drehbuch, ich habe den Text, ich habe die Situation und dann aber so offen zu sein innerhalb dieses gesetzten Rahmens und der Situation, die die die Szene darstellen soll auf das Gegenüber und auf die Umstände zu reagieren, kurz gesagt, das greift auf die Meistermethode zurück, Sandford, Meister, Schauspiel, Lehrer aus den USA, alter Haudegen und. Der eben da diese Methode entwickelt hat, die halt sehr darauf abzielt, dass der Schauspieler und die Schauspielerin offen für das ist, was konkret spontan in der zu drehenden oder zu spielenden Situation passiert. Und mein mein, mein Regiestil

43:42 und mein Schauspielführungsstil bedient das. Insofern, wenn ich Probe, dann geht es grob darum, den groben Fahrplan der Szene oder der Situation festzulegen, dass man definiert, welches, welches Temperament, welche Energie muss diese Szene haben oder sollte sie haben. Wie ist die grobe Situation, aber ich lege jetzt bei den Proben keine Details fest und. Und keine Gänge.

44:16 Ob das jetzt von rechts nach links oder von links nach rechts ist es völlig egal, sondern da geht es mir erst. Da geht es mir vornehmlich darum, dass die Schauspielerinnen und Schauspieler ein Grundgefühl für die Szene kriegen, für die Emotionalität der Szene kriegen, für das Temperament, für die Energie der Szene kriegen, und wenn wir dann am Set sind, dann ändert sich sowieso noch mal alles. OK, ja dann habe ich Kostüm, dann habe ich die Technik, dann habe ich dieses konkrete Set um mich rum und. Klar finde ich es eben spannend, wenn wenn das wenn das noch nicht in dem Probeprozess noch nicht so festgelegt ist, dass in dem Moment noch eine Offenheit herrscht, dass ich grundsätzlich weiß, in welche Richtung die

44:53 Szene marschieren soll. Aber das all das drumrum, all das neue und das wesentlich konkrete Raum hat, auf mich zu wirken und auf die auf die Kolleginnen und Kollegen zu wirken. Also du möchtest nicht, dass es steif geprobt worden ist? Sozusagen, das ist. Ich habe hier eben eine Notiz gemacht. Konfrontation, Register und Schauspiel, was macht man dann, wenn es passiert? Das ist wirklich angenommen, Schauspielführung hat versagt und angenommen, es kommt wirklich zu, hattest du das schon mal?

45:28 Ich hatte mal, ich hatte mal n Dreh wo wo die Konfrontation eher zwischen mir und dem Kameramann war. Als Regisseur oder als. Regisseur, ich hab Regie gemacht und und der Kameramann und ich, wir sind uns überhaupt nicht grün gewesen und das hat überhaupt nicht funktioniert zwischen zwischen Schauspiel und Regie hatte ich tatsächlich noch keine größeren Konflikte, was mit dem eingangs erzählten Bereich des Castingprozesses zu tun hat.

45:58 Also ich gucke da sehr genau drauf. Aber hätte dir passieren, könntest du schon mal als Schauspieler in einem Konfrontationsprozess gewesen? Wärst mit mir. Das hatte ich ja, das hatte ich schon einige Male, wo man sich auch bis aufs Blut gefetzt hat. Das gehört dazu, da muss man manchmal. Also finde ich, auch die Luft rauslassen.

46:22 Wichtig ist dann eben das klärende Gespräch und oder. 2 Sachen sind mir wichtig, zum einen das klärende Gespräch, dass man dann. Sich mal eine ruhige Ecke sucht und sagt Pass auf so und so und so können wir das irgendwie lösen, weil am Ende stehe ich auf der Bühne und vor der Kamera, am Ende geht der Lappen hoch, da unten sitzen 300 Leute, die viel Geld dafür bezahlt haben, im Kino zu sitzen oder im Theater zu sein. Am Ende gibst du auch etwas von deiner Verletzlichkeit, Verletzlichkeit weg.

46:56 Du gibst. Natürlich. Du stehst ja da als. So nackt. Blöd. Von natürlich so also am am. Am Ende ist da ein ein ein künstlerisches Werk und, und das ist das einzige was zählt, und es interessiert niemanden, wie das zustande gekommen ist, unter welchen Bedingungen und ob wir uns nun alle lieb gehabt haben oder aufs Blut gefetzt haben.

47:19 Ja, das kenne ich sogar umgekehrt erzähl ich gleich drüber. Und. Und das hat dann für mich immer Priorität. Und dann hat bitte das eigene Ego auch mal zurückzustehen und und und und und sich der Geschichte und dem, was wir erzählen wollen, unterzuordnen, das hat was mit Demut zu tun. Das heißt nicht, dass man sich aufgibt und das Fähnchen im Winde ist, aber das hat was mit einer gewissen Demut, dem Stoff und dem Endergebnis und auch dem Publikum gegenüber zu tun, und da ist dann das klärende Gespräch einfach.

47:54 Wichtig, dass man sagt, OK, Pass auf, du möchtest gerne so ich gerne anders darf ich das vielleicht zumindest mal ausprobieren, vielleicht merke ich ja selber, dass ich Blödsinn da mache oder ich mache das dann eben so und und wo ist übrigens überhaupt das Problem, weil oftmals hat das gar nichts mit der Szene oder dem künstlerischen.

48:22 Widerspruch zu tun, sondern das Problem liegt meistens irgendwo ganz anders. Ich hatte mal einen Regisseur, der der dann auf der Probe nur noch anfing, rumzubrüllen und uns alle zur Schnecke gemacht hat und alles Scheiße fand und am Ende stellte sich heraus, er hatte einfach seit 3 Tagen tierische Zahnschmerzen und war einfach total gerustet und total genervt von seinen Zahnschmerzen, so hätte man.

48:48 Ganz einfach entschärfen können den Konflikt also dann am nächsten Tag. Beim Zahnarzt waren wir auch alles wieder gut und jetzt der zweite Punkt ist, es darf durchaus auch konfrontativ zugehen in der Arbeit, das ist manchmal auch, das setzt manchmal auch Energien freien, löst Knoten, oftmals ist es ja auch der eigene Frust.

49:09 Also ich kenne es auch von mir, ich habe auch manchmal meine Phasen, wo ich. Mit mir selber unzufrieden bin oder einfach ums Verrecken nicht weiß, wie ich diese Szene packen soll. Und dann baut man natürlich Frust auf, aber es darf nie, und das ist eine absolut rote Linie bei mir, es darf nie persönlich werden in dem Moment wo.

49:32 Die Regie, die Schauspieler persönlich angreift oder die Schauspielerinnen und Schauspieler untereinander sich persönlich angreifen oder die Regie persönlich angreift, ist für mich die Probe oder der Drehtag beendet. Das ist dann einfach. Ich gehe dann einfach. Also da ist bei mir Schicht im Schacht, das darf nicht sein.

49:51 Wir können uns darüber unterhalten, ob die Szene so gut ist oder nicht, wir dürfen uns auch darüber streiten. Wir dürfen uns da auch mal anbrüllen und sagen, das funktioniert so nicht, oder das ist das, das geht nicht, aber in dem Moment, wo es persönlich wird, wo ich sag immer, der Unterschied ist, wo nicht gesagt wird, so wie ihr die Szene gerade spielt, ist Scheiße, sondern du bist scheiße, da ist bei mir Schicht im Schacht. Ist ja interessant, dass es eigentlich immer wieder auf Kommunikationsfragen zurückkommt. Eigentlich natürlich das das eigentlich. Wie schafft es deiner Meinung nach einen einen einen Regisseur am besten Autorität zu bewahren, ohne damit ohne anvertrauen zu verlieren?

50:48 Weißt du was ich meine? Ja, aber das kann ich dir nicht beantworten. Weil das eine Persönlichkeitsfrage ist. Also ohne das Vertrauen zu verlieren. Ich glaube, das ist der entscheidende Punkt, also. Weil so das war das, was ich gerade gedacht habe, dass du es mir erklärt hast, weil ich das Gefühl habe, ja, der Regisseur muss natürlich auf der einen Seite, die Hierarchie ist erst oben, ergibt als letztes den letzten. So und so ist es aber auf der anderen Seite muss ja auch eine vertrauensebene bestehen, dass man sich zoffen kann. Das ist für mich der entscheidende Punkt. Ich glaube, jemanden, dem ich zum Beispiel nicht vertraue. Hat gegen hat mir gegenüber keine Autorität, danke und und umgekehrt genauso.

51:33 Also ich, ich glaube, die Autorität ist ja, ist ja sozusagen nur nur das Ergebnis, also die, die, die die Wirkung kann man. Sagen Autorität ist ausgesprochenes Vertrauen. Im Prinzip also ich kann ja Autorität nicht herstellen, ja. Es gibt viele, die das immer wieder versuchen, aber die, die entsteht ja aus Vertrauen, also in dem Moment, wo ich jemandem vertraue, bin ich bereit, ihm oder ihr auch zu folgen und mich darauf einzulassen.

52:09 Und, und das ist der Punkt, und da sind wir auch wieder beim Casting, da schon zu gucken, sind das Menschen, denen ich vertraue und sind das Menschen, wo ich merke, dass die mir vertrauen. Und um auf den Anfangspunkt unseres Gespräches zurückzukommen, da merke ich zum Beispiel, dass viele, viele Schauspielerinnen und Schauspieler mir als Regisseur vertrauen, weil sie wissen, ich bin auch selber Schauspieler. Ja, das ist natürlich dein dein Fund. Und und merken, der weiß, wie es ist. Auf der anderen Seite zu stehen und und der kennt meine Ängste, der kennt meine Probleme, die wir, mit denen wir alle zu kämpfen haben, auf der Bühne oder vor der Kamera. Der weiß, wie sich das anfühlt,

52:53 der weiß, wie der Hase läuft, und das ist eine Erfahrung, die ich gemacht habe, dass ich da von vielen Kolleginnen und Kollegen großes Vertrauen entgegengebracht Kriege. In dem Moment, wo sie wissen oder erfahren, Ach, der ist ja selber Schauspieler. Was glaubst du einfach um mal darauf einzugehen? Was glaubst du, sind die größten Irrtümer über Schauspieler, die Regisseure haben?

53:15 Also Irrtümer, den ich persönlich, oder? Wo ich immer hellhörig werde, ist, dass Regisseure manchmal denken, Schauspielerinnen und Schauspieler, die können das ja alles. Also ich habe da eine Idee, und diese Szene soll so und so sein, und jetzt mach mal bitte, du weißt, wie das geht. Sei großartig.

53:49 Ist im besten Falle so, muss aber nicht immer so sein. Und da sind wir wieder bei der Schauspielführung. Es ist in meiner Philosophie ein kreativer Prozess, der was mit Gegenseitigkeit zu tun hat und der nicht in eine Richtung geht. Ich sage, was du zu machen hast, und dann mach das bitte und dann mach das bitte so, dass es gut ist, sondern sondern es ist es ist ein Ping Pong Spiel, es geht hin und her, es ist ein Teamsport und. Und ich als Regisseur bin dann am Ende vielleicht derjenige, der die Entscheidung trifft.

54:24 Ja, so machen wir es, oder? Nein, so machen wir es nicht oder ein bisschen mehr in die Richtung oder mehr in diese Richtung, aber ich bin von diesen Menschen, mit denen ich da zu tun habe, tierisch abhängig und entsprechend sollte ich das respektieren und auch demütig mit diesen Menschen und mit ihren Talenten und mit ihren Fähigkeiten umgehen.

54:48 Ein anderes Missverständnis ist oft ist ist oft die, die die Herangehensweise an an den schauspielerischen Prozess und beinhaltet vielleicht 2 Aspekte. Der eine Punkt ist, dass im Endeffekt geht es ja um die Darstellung von Emotionen. Der Text ist in meiner Philosophie nebensächlich, der ist sozusagen das Sahnehäubchen, und das ist ist der Ausdruck dessen, was ich fühle und denke. So ist auch Sprache entstanden, die Spitze des Eisbergs, die Spitze des Eisbergs, so Sprache ist ja dadurch entstanden, das kann man bei kleinen Kindern heute noch beobachten, ja, sie sehen was und und versuchen irgendwie einen laut von sich zu geben, damit Mama kapiert, was da tolles ist. Und dieser laut wird immer

55:44 virtuoser und wird immer feiner. Und irgendwann wird das ein Wort. Aber zunächst einmal ist da die Emotion und und oftmals erlebe ich, erlebe ich Regie, die von der anderen Seite herkommt, die vom Text herkommt, die vom kognitiven herkommt, die vom vom Intellekt herkommt, die mir erklärt, die mir erklärt und. Ich persönlich als Schauspieler finde es immer hilfreich und so führe ich auch Regie oder versuche es zumindest erstmal die die Emotionen zu definieren und zu sagen, worum geht es in der Szene, was ist, was bringt dich emotional dazu, diese Sätze zu sagen, die da jetzt stehen und die du dann im Endeffekt auch bitte sagen sollst.

56:38 Aber. Welcher emotionale Trigger liegt da drunter, dass du jetzt diesen Satz sagst, und das halte ich für die für die für wichtiger und die einfachere Herangehensweise, weil oftmals kommt die Regie von der anderen Seite und man muss selber dann rückwirkend sozusagen versuchen, das zu motivieren, was da vorgegeben ist.

57:04 Und das zweite große Missverständnis, was ich immer wieder beobachte, ist wir wollen natürlich vielschichtige Charaktere zeigen, vielschichtige Persönlichkeiten zeigen, keine Klischees, keine Abziehbilder, und es findet ganz oft ein Phänomen statt, nämlich dass die Regie versucht, das zu erreichen, indem sie von den Schauspielerinnen und Schauspielern verlangt, 2, manchmal sogar 3 Dinge gleichzeitig zu machen. Und nicht nur zu machen, sondern zu fühlen und zu denken. Gib ein Beispiel.

57:47 Du bist stinke wütend auf deinen Chef und willst dem die Meinung geigen und tust es auch vom Text her, aber gleichzeitig hast du ja Angst, dass vor den Konsequenzen, die da passieren könnten. Also du bist. Total mutig, weil du Stürmst jetzt in dieses Büro rein und machst den Chef jetzt zur Schnecke, aber gleichzeitig hast du totale Angst und willst eigentlich das gar nicht sagen, was du sagst. Also eigentlich 2 Regieanweisungen, die du gerade gegeben hast, die komplett das Gegenteil sind. So, du bist mutig, du hast Angst. Genau.

58:20 Und jetzt wundert sich die Regie, dass der Schauspieler oder die Schauspielerin fast daran verzweifelt ist, darzustellen. Klar, weil es sind 2 Dinge gleichzeitig, die auch noch gegeneinander laufen. Und so sind wir als Menschen nicht gebaut. Wir fühlen immer nur eine Sache, wir denken auch nur eine Sache, wir können nicht 2 Dinge gleichzeitig denken, wir können auch nicht 2 Dinge gleichzeitig fühlen oder 2 verschiedene Emotionen gleichzeitig haben, wir können auch nicht mit 2 oder mehreren Menschen gleichzeitig kommunizieren, so sind wir als Menschen nicht gebaut, andere Lebewesen können das, vielleicht, wir nicht. Selbst wenn ich zu 10 Leuten spreche, kann ich immer nur zu einer Person gleichzeitig

59:04 sprechen. Und da merke ich ganz oft, dass die Regie es den Schauspielerinnen und Schauspielern unglaublich schwer macht, indem sie versucht, diese Doppelbödigkeit oder die die Farbenpracht einer Figur dadurch zu erschaffen, möglichst alles gleichzeitig zu mangeln. Es gibt in in der Umgangssprache in unserem täglichen Leben diesen Begriff des hin und hergerissen Seins, und der definiert genau das. Ich bin mal hier und ich bin mal da, ich fühle mal dieses und ich fühle mal das, ich denke mal ja, und ich denke, nein, ich habe Engelchen und Teufelchen auf der Schulter, aber das ist immer abwechselnd Engelchen sagt, was Teufelchen sagt, was Engelchen sagt, was Teufelchen sagt, nicht gleichzeitig so und. Und ich erzähle aber eine bunte

59:57 Figur, indem ich es nacheinander erzähle, indem ich erst sage, du Stürmst rein und du machst den Chef zur Schnecke, und zwar in vollem Bewusstsein. Geil. Dann gehst du raus. Und denkst hier, ach du Scheiße. Fuck, was habe ich gerade? Gemacht, oder? Das passiert noch drin, ja, das kann ja auch passieren, du bist fertig und guckst ihn an und denkst.

1:00:23 Ich kann jetzt meine Sachen packen gehen. Oder es gibt so einen Buch im Dialog, wo du sagst, hier ist ein Wendepunkt, Moment, wird dir klar. So fuck, was habe ich da gerade gesagt. Genau dann erzähle ich die Dinge nacheinander und daraus entsteht eine Farbenpracht, dadurch entsteht die Vielschichtigkeit der Figur, ich mache es dem Schauspieler und der Schauspielerin nur wesentlich einfacher, weil sie immer nur eine Emotion, einen Gedanken bedienen muss, in der Musik, in der Malerei genau das gleiche. Ja, kein Musiker ist in der Lage, Stairway to Heaven zu spielen, sondern eine Note nach der anderen. Beim Publikum kommt dann an Ach Stairway to Heaven in der Malerei genau das gleiche,

1:01:06 keiner kann ein Bild malen, sondern nur einen einzelnen Strich, einen Punkt, einen Klecks. Und am Ende entsteht das Bild. Die Kamera nimmt ein Bild auf, allerdings nacheinander 24 Bilder und die Illusion von Bewegung entsteht. Richtig, und genau so finde ich, muss man Schauspielerei verstehen. 1.

1:01:23 Nach dem anderen ich erzähle diesen Aspekt, ich erzähle diese Situation, ich habe jene Emotionen, und dann kommt der nächste, der nächste, der nächste, und bei uns am, und das ist das Tolle beim Publikum im Kopf des Publikums entsteht dann das Gesamtbild und die und und das Bild einer Figur, die vielleicht widersprüchlich ist. Die mehrere Facetten hat und und und. Ich habe gerade eine für mich so eine Lektion im Kopf mitgenommen oder eine tolle Idee für mich.

1:01:48 Im Endeffekt musste eigentlich der Regisseur so was er haben wie ein logisches Drehbuch und ein emotionales Drehbuch, weißt du was ich meine? Im Endeffekt muss ich, dass er sagt, das und das passiert das und das sind die Handlungsebenen und dann müsste eigentlich eine zweite Spalte für sich gemacht werden, und das sind die Emotionen, durch die die verschiedenen Figuren gerade gehen.

1:02:07 Und ich behaupte, die Regie muss eigentlich nur das emotionale Drehbuch haben, weil das logische ist ja schon da, das hat ja der Autor. Das ist ja der Drehbuchautor. Ja, na gut, aber wenn man Drehbuchautor im umdreht gleichzeitig. Ist da kommt man manchmal. Schwierigkeit, also da muss man Hödisch aufbauen, manchmal, weil da sieht man manchmal nämlich den Wald vor lauter Bäumen nicht mehr, aber das ist ein ganz wichtiger Aspekt, den du da da benennst. Das Vertrauen auf die.

1:02:35 Die Autorenschaft und das Vertrauen auf das Werk, was ich da habe, das ist ja schon der Bauplan und ich merke das immer wieder, sowohl auf Seiten der Regie als auch auf Seiten der Schauspielerinnen und Schauspieler, dass die oftmals darauf nicht vertrauen und denken, oh Gott, ich habe ja jetzt diese Szene, und die muss ich ja füllen, und da muss ich ja, da muss ich ja was draus machen, nein.

1:03:04 Das ist alles schon da. Diese Gedanken hat sich der Autor oder die Autorin schon längst gemacht. Ich habe hier einfach nur ein weißes Blatt mit schwarzem Text, den Text lerne ich auswendig, den lerne ich so gut auswendig, dass er im Unterbewusstsein ist und nicht im Kopf, und dann muss ich mir nur überlegen, was bringt mich emotional dazu, diesen Text zu sagen, und ob das dann witzig oder spannend, psychopathisch, vielschichtig. Widersprüchlich oder Klischee ist, ist nicht meine Aufgabe und mit der muss ich mich als Schauspieler gar nicht auseinandersetzen, weil das hat der Autor schon gemacht. Das ist, das ist im Drehbuch, auf das man sich vorher geeinigt hat.

1:03:46 So, ja, der Autor schreibt den Gag rein, ich muss mich nur auf die Emotionalität der Szene konzentrieren und nicht noch darauf konzentrieren. Ach, da ist ja jetzt ein Gag, den muss ich am besten noch irgendwie witzig rüberbringen. Damit überladet man sich damit doppelt sich die Geschichte, weil ich das Spiele, was sowieso schon da ist.

1:04:09 Und dann wird es oftmals Klischee und ich in meinem schauspielerischen Prozess bin völlig überladen. Ich. Finde das sehr interessant, weil ich hab mal mit einem Drehbuchautoren gesprochen, der gesagt hat, wenn das Drehbuch richtig geschrieben ist, braucht man den Regisseur eigentlich gar nicht mehr.

1:04:23 Was er damit meinte war wahrscheinlich das, was du gerade gesagt hast. Von wegen die logischen Elemente sind dann schon da, dann ist eigentlich schon relativ klar. Hier und da braucht das. Im besten Fall sind auch die emotionalen Momente schon da, weil sie aus dem Text und aus der Art, wie das Drehbuch geschrieben ist, deutlich werden oder ein Anspringen, einen inspirieren.

1:04:41 Das stimmt schon, aber irgendwie braucht es ja denn die Regie doch mehr, weil wir natürlich als Schauspielerinnen und Schauspieler, als Menschen uns immer gerne in unserer Comfort Zone aufhalten, und die Regie ist ja dadurch entstanden. Dass da mal einer gesagt hat, geh mal runter und guck dir das von unten an und er kam nie wieder zurück und und hat halt gesagt, ja was du da machst ist schön, aber du bist in deiner Comfort Zone, geh mal raus aus dieser Comfort Zone.

1:05:13 Wir haben ja die ganze Zeit auf Regisseure rumgebasht. Was ist denn so Irrtümer, die Schauspieler manchmal haben gegenüber Regisseuren, oder was sind so so schlechte Eigenschaften, die du bei Schauspielern siehst? Im Umgang mit Regisseuren? Ja, dieses Ding mit der Comfort Zone, also oftmals so. Ja du brauchst mir da ja gar nichts zu erklären, ich weiß ja schon wie ich wie ich das machen muss, so, da ist auch was Wahres dran, aber die Gefahr ist eben, dass man dann auf auf das zurückgreift, was man ohnehin schon kann, wo man sich mit wohlfühlt, was einem leicht fällt und da ist es. Eben als Sparringspartner hatten wir vorhin diesen Begriff. Aufgabe der Regie, und da muss ich ihr auch Vertrauen, dass sie mich dann eben da mal raushaut

1:06:07 aus dieser Komfortzone und mich auch mal in einen Bereich bringt, der für mich vielleicht zunächst einmal sehr unbequem ist, aber wo sich dann rausstellt, ah, guck mal, ich überschreite da gerade eine Grenze, ich, ich gehe da gerade in einen Bereich, in den ich freiwillig vielleicht gar nicht gegangen wäre und auch gar nicht auf die Idee gekommen wäre.

1:06:26 Weil ich auch wiederum den Wald vor lauter Bäumen nicht sehe und die Regie ja der Blick von außen ist. Und, und auch da gehört, ist es eine Frage des Vertrauens, also der Regie, auch zu Vertrauen und zu sagen, okay, ich habe keine Ahnung, wohin das führt, was du da jetzt gerade an Input gibst, ist Ich würde das freiwillig auch nie machen, aber ich mach das jetzt mal, weil du bist an meiner Seite und im besten Falle stellt man dann fest, Oh geil. Also quasi, ich lass mich fallen auf ne Weise, ich hab noch so 2, damit wäre jetzt erstmal der Blog, es sei denn du hast noch irgendetwas zum Thema Schauspielführung, was ich auf gar keinen Fall jetzt angesprochen habe, wenn ich nicht das.

1:07:24 Weil sonst würde ich ja gerne noch so an ein 2 andere Sachen noch eingehen, wo ich mir einfach gedacht, also wo Louis und ich uns in der Vorbereitung gedacht habe, da gehen wir noch mal drauf ein, weil das irgendwie interessant ist. Als erstes kommt von mir, weil ich dich schon mal darüber hart reden höre, siehst du einen Unterschied zwischen Theater und Filmschauspielerei? Nein, warum nicht?

1:07:46 Und da kriege ich durchaus auch immer wieder harten Widerspruch. Ich weiß. Nein, da sehe ich keinen Unterschied. Ich sehe einen Unterschied in der in der Wirkung und ich sehe einen Unterschied zwischen der Kunstform Film und der Kunstform Theater, das da brauchen wir gar nicht drüber reden. Aber aus aus meiner Perspektive einfach nur als Schauspieler, rausgesehen oder was den schauspielerischen Vorgang angeht, mache ich da keinen Unterschied, denn wie ich eingangs sagte, ich meine Aufgabe ist es, Emotionalität darzustellen, Emotionen darzustellen und. Damit einen gewissen Text dann zu transportieren oder auch nicht.

1:08:52 Und da ist es für mich unerheblich, ob das vor der Kamera oder auf der Bühne oder auf einer großen Bühne oder auf einer kleinen Bühne passiert, der der Unterschied besteht darin, wie ich es dann transportiere, dass ich natürlich in einem Schillertheater mit 1000 Leuten, die da reingehen. Stimmlich eine andere Kraft brauche als jetzt vor der Kamera, wo ich direkt das Mikro vor der Nase habe, das ist klar, aber das ist sozusagen nur das Drehen am Verstärkerknopf, der schauspielerische Vorgang, der emotionale Vorgang ist der gleiche und ich Rate tunlichst davon ab, sich von diesem Spruch verführen zu lassen.

1:09:38 Naja, auf der Bühne, da ist ja alles grober und so und dann muss ich ja alles ausstellen, da komme ich in Teufels Küche, weil dann mache ich genau das, ich stelle aus. Es gibt natürlich Theaterformen und Inszenierungsarten, die genau das wollen, also die eine gewisse ausgestelltheit Formalität haben. Das ist dann aber eine spezielle Inszenierungsweise, das ist eine spezielle Form des Theaters, das meine ich nicht, aber ich meine die grundsätzliche Herangehensweise an an den schauspielerischen Vorgang.

1:10:11 Ich vergleiche das immer und versuche es auch meinen meinen Schülerinnen und Schülern zu erklären mit mit, mit einem Song. Jeder von uns hat ein Lieblingslied und ich, ich, ich, ich kann diesen dieses Lied auf unterschiedlichen Medien abspielen, auf kleinen Kopfhörern vom Handy. Auf der Anlage zu Hause oder im Stadion oder in der Diskothek mit Riesen Boxen und und gigantisch guten Verstärkern. Aber der Song ist der gleiche und die Emotionalität des Songs ist die gleiche, ist der gleiche. Ich drehe nur am Verstärker, ich baue nur andere Boxen auf und es wäre groß.

1:10:58 Grob fahrlässig, wenn man dieser Logik dieses Spruchs, naja, auf der Bühne ist ja alles grober und und wird ja mehr ausgestellt, zu folgen, dann diesen Song zu verändern und jede zweite Note wegzulassen oder die Geigen, die nur so leise im Hintergrund mitspielen, einfach rauszulassen, weil die wird dann eh keiner mehr, ja. Wie oft musst du diese Diskussion führen? Regelmäßig, regelmäßig, regelmäßig. Nein, es ist auch so ein altes Theatergeschicht, ich höre das auch immer wieder von Kollegen, auch auf der Bühne, mit denen ich zusammenarbeite.

1:11:28 Auch immer wieder. Ja, Ach, das sieht doch eh keiner was ne so, doch die Leute sehen es und die Leute und wenn sie es nicht sehen, Sie spüren es und und und das zucken im Augenlid natürlich auf 50 Meter Entfernung im Schillertheater oder so sehe ich das vielleicht nicht, aber es ist trotzdem Teil des Gesamtbildes und das darf man nicht unterschätzen.

1:11:58 Ich hatte, ich hatte da ein persönliches Erlebnis, dass das vielleicht illustriert, als ich im Nationalmuseum in Amsterdam war und das erste Mal vor der Nachtwache stand. Rembrandt, und dieses Bild ist, ich weiß nicht, 5 Meter auf 3 gigalte jäter also, das ist ein Riesending, und ich stand davor und war ziemlich geflasht und geplättet, und irgendwann bin ich näher ran gegangen und. Und hat mir die Details angeguckt und sehe hey, sogar der fünfte Soldat hinten rechts hat noch so einen kleinen Lichtreflex auf der Lanze und das Kettenhemd und der Knopf, der hat noch, der ist modelliert und und das ist alles winzige Details, gemalt auf 5 Meter Entfernung sehe ich das nicht, aber es macht genau die Wirkung

1:12:50 dieses Bildes aus, unterbewusst. Ganz genau. Ich sehe nicht, aber ich merke, dass es da ist. Ich spüre es und und so empfinde ich auch Schauspielerei. Rembrandt hat ja auch nicht gesagt, komm, ob ich diesen Knopf da jetzt so genau male oder nicht, auf 5 Meter Entfernung sieht es doch keine Sau, ich mache da einfach nur einen goldenen Kringel fertig aus, nein, er wusste ganz genau um diese Wirkung und genau so ist es auf der Bühne oder vor der Kamera. Du bist ja in deiner Lehrtätigkeit, du Unterrichtest quasi Schauspiel vor Kamera, dann ist ja eigentlich quasi die Quintessenz von dem, was du gerade gesagt hast. Eigentlich ist kein Unterschied zu dem, was ihr sonst gerade gespielt habt, weil es geht,

1:13:39 weil vor der Kamera ist ja kein anderes Schauspiel als auf der Bühne, das ist ja quasi die Quintessenz quasi aus deinem Unterricht, dann ne, also ihr müsst genau das gleiche abliefern, wie wenn ihr auf der Bühne steht. Wie gesagt, es sei denn, Ausnahmen sind eben die. Die die speziellen Formen des abstrakten Theaters des ausgestellten Theaters ne also da, da gibt es natürlich noch ganz andere Spielweisen, die sagen Film.

1:14:05 Auch wollte ich gerade sagen, es gibt. Auch oder zumindest gab ne, also heutzutage nicht mehr, aber im expressionistischen Film und und im im künstlerischen Film der 70er Jahre und so, da hat man das ja auch und. In der Theorie könnte es das ja auch immer noch geben, oder? In der Theorie könnte es auch Filme geben, die.

1:14:24 Witzigerweise gibt es das auch, also wenn wenn, dann diese Frage kommt auch in der Schülerschaft, na ja, aber auf der vor der Kamera, da muss ich doch viel kleiner, viel feiner spielen, auch was die Mimik angeht und so, und dann sage ich ja okay dann dann guckt euch mal bitte Captain Barbossa in Fluch der Karibik oder guckt euch Leonardo di Caprio an.

1:14:51 Der hat eine riesige Mimik von Kaliber wie Jack Nicholson oder so. Mal ganz abzusehen und im deutschen Filmfernsehen genau das gleiche. Da gibt es auch Kolleginnen und Kollegen, die sehr reduziert spielen, die wo sich fast gar nichts tut und es gibt andere, die riesige riesige Mimik haben und. Und da würde keiner auf die Idee kommen zu sagen, Na ja, Leonardo di Caprio, der, der spielt ja Theater.

1:15:23 Das eine ist richtig, das andere ist falsch. So OK es geht, darum glaube ich es oder glaube ich es nicht? Ja, ist es überzeugend oder nicht, hat es Kraft oder? Löst es etwas aus oder nicht? Sagen wir es mal so. Das meine ich mit überzeugen ne docke ich da an, berührt es mich oder nicht mit welchen Mitteln das dann passiert, völlig nebensächlich. Nächste Frage, die ich hier noch als Zusatzfragen hier noch aufgebaut haben.

1:15:47 Wir haben ja jedes Jahr, ist es ja wirklich so, dass sehr, sehr viele neue Filmemacher raufkommen in die Branche, also wir haben neue Schauspieler, wir haben neue Regisseure und wir haben neue, was weiß ich als Lehrer, was würdest du sagen, was, wer schafft es, welche Eigenschaften muss man haben, wenn man jetzt in die Filmbranche einsteigt, ich sag jetzt einfach, du bist Lehrer, ne und du siehst viele neue.

1:16:13 Ambitionierte Schüler quasi, die frisch einsteigen. Was für Eigenschaften musst du haben und in der deutschen oder internationalen Film Porsche zu bestehen, was willst du sagen, what is? Key ehrlich gesagt keine Ahnung. Nein, es gibt so ein paar Eigenschaften, die ich sehr schätze und alle. Aber die, die Erfahrung hat mich gelehrt, dass die nicht allgemeingültig sind, weil es von so vielen Faktoren abhängig ist.

1:16:50 Und ich meine, wenn wir uns die Schauspielerinnen und Schauspieler in Deutschland angucken, die gesamte Bandbreite von Fernsehen über Filmen, Kino, Reihen und so weiter Fernsehfilme, da gibt es. Die gesamte Bandbreite an Talenten, wenn du es die gesamte Bandbreite an an an Persönlichkeiten und an Temperamenten und allem und es ist von so vielen Faktoren abhängig.

1:17:17 Glück, Kontakte, Netzwerk. Richtige Moment. Der richtige Moment, die richtige Zusammenarbeit, der Draht zueinander. Dann frage ich mal die Frage anders. Was glaubst du denn was? Was sind so Fehler, die du häufig bei jungen Filmemachern siehst? In Bezug auf was auf die. Arbeit gerne auch auf Schauspielführung, aber so insgesamt. Aber ich glaub schauspielführung haben wir es ja schon. Was ich oft sehe und, und das ist aber das ist in dem Sinne kein Fehler, sondern das ist einfach eine Erfahrungsfrage das das, das entwickelt sich im Laufe der Zeit, wenn man mal ein bisschen mehr gedreht hat, ist eben dieses mangelnde Vertrauen in, in in die anderen Gewerke.

1:18:12 Film besteht ja nicht aus 2030 4050 Leuten, die da arbeiten, weil die sonst auch nichts zu tun hätten. So, das ist ja entstanden aus aus einem Prozess der Spezialisierung raus und, und da beobachte ich oft, und das ging mir als Anfänger auch so damals, dass dass man natürlich alles kontrollieren will. Ich mache jetzt die Regie, und das ist mein Film, also ist das alles, das andere sind nur noch Erfüllungsgehilfen und ich muss alles kontrollieren und muss überall drauf gucken, nein. Meine Aufgabe ist es, den Gesamtüberblick zu behalten. Meine Aufgabe ist es, die Marschrichtung vorzugeben und mich um die ganz konkreten Situationen am Set zu kümmern und zu gucken, dass wir den bestmöglichen Take, die bestmögliche Szene hinkriegen

1:19:08 und da einfach mal durchzuatmen und zu sagen, Kostüm hat Ahnung von Kostüm und die machen ihren Job. Der Cutter oder die Cutterin macht ihren Job. Kamera macht den Job und Licht weiß auch, wie es am besten funktioniert. Und die Schauspielerinnen und Schauspieler eben auch. Und umgekehrt halt auch.

1:19:34 Was du eben gesagt hast. Auch dass die Schauspielerinnen Kontrolle abgeben an zum Beispiel den Regisseur, also im Endeffekt. Und das hat aber was mit Vertrauen zu tun. Also in dem Moment, wo ich, signalisiere ich Ihr macht das schon. In dem Moment vertrauen die mir ja auch, weil sie merken, ich lasse Ihnen die Freiheit und das das ist einfach was, also dass dass junge Regisseurinnen und Regisseure einfach sich selber noch nicht vertrauen, klar, wo wir auch, da muss man ja auch erstmal die Erfahrung machen und dann eben aber auch den Leuten um sie herum nicht vertrauen und da ungern abgeben, aber.

1:20:15 Aber wie gesagt, das würde ich nicht als Fehler bezeichnen, sondern das ist einfach. Das liegt in der Natur der Sache, auch das ist ein Erfahrungswert, aber das ist das wo, wo, wo junge Kolleginnen und Kollegen vielleicht drauf hinarbeiten können zu sagen, OK, aber das ist durchatmen. Ja, ich hab so, so wollte ich das positiv nämlich auch gerade formulieren, denn das heißt ja eigentlich, dass es, dass man darauf hinarbeiten soll, eigentlich immer mehr Leute, immer mehr gute. Kollaborateure zu finden, denen man vertrauen kann. Sachen abzugeben.

1:20:47 Also das ist meine Philosophie. Ich bin überhaupt kein, kein kein Fan vom vom von der Diktatorenregie und und und so, es gibt großartige Regisseurinnen und Regisseure, die so arbeiten und und wirklich genialste Filme machen, die ich auch wirklich sehr, sehr bewundere. Mein Ding ist es nicht und ich bin.

1:21:12 Ich glaube, es ist auch Zeit, dass wir uns von dieser ja doch etwas älteren Arbeitsweise verabschieden. Und da muss man natürlich auch die die Strukturfrage stellen, ne, was die hiesige Filmlandschaft angeht, was die Strukturen angeht, die Förderstrukturen, die Kollaborationsstrukturen zusammenarbeiten, auch da mangelt es oft anvertrauen und. Und jeder will kontrollieren, jeder will bestimmen, und das tut der Sache nicht unbedingt gut. Sollen wir das was aufmachen?

1:21:52 Nein, das ist ein anderer. Podcast da gibt es auch genug, was man da reden kann. Letzte 2 Fragen das erste ist, weil es mich persönlich interessiert, du bist Schauspieler und du schreibst ja auch, hast du gute Tipps für wie man überzeugenden Dialog schreiben kann? Boah. Weil das ist so ein Ding.

1:22:15 Das fragt einen richtig guten Autor. Ja, das ist halt so ein Ding. Da arbeite ich gerade selber dran wegen einem Projekt und ich habe mich einfach gedacht, vielleicht stelle ich dir einfach die Frage, wem schreibst du Dialog, der nicht so klingt, dass man so denkt, weißt du was ich meine? Ja, ich weiß was du meinst.

1:22:35 Da mach mal einen Podcast mit rebo Autoren, da kann ich dir auch ein paar wirklich gute. Empfehlen. Ich persönlich schreibe erst einmal und dann gehe ich die Szene entweder selber durch, wirklich laut Spiel, also mit Text, küchentisch um den Küchentisch herum oder. Ich nehme eine Szene zum Beispiel aus einem meiner eigenen Drehbücher und arbeite dann mit meinen Schauspielschülerinnen und Schauspielschülern dran, dass die das als Übungsszene im Unterricht machen.

1:23:13 Ja, wie praktisch super praktisch kann. Man die ausleihen. Oder eben ich. Ich frage eben Kolleginnen und Kollegen, und dann machen wir einfach mal ein Cold Reading oder so oder so und in dem Moment, wo man. Menschen hat, die diese Sätze aussprechen, merkt man ganz schnell, was man da geschrieben hat. Also das ist sozusagen die, die die Überprüfung dessen, ne, dass man es einfach mal entweder selber oder von Freunden das das müssen ja auch keine Schauspielerinnen und Schauspieler sein, es können, einfach mal irgendwie die Schwester oder Ehefrau oder Ehemann oder was auch immer sein und.

1:23:56 Hey, lies doch einfach mal vor, ich setze mich mal da hin und jetzt lies die Szene einfach mal und dann merkt man selber schon das klingt es liest dich ganz toll, aber es klingt irgendwie banal. Gelesen und gesprochen. Es sind nur Zweifel total verschickt. Das ist halt die große Kunst. Also da merke ich auch als Schauspieler, wenn ich ein Theaterstück oder ein Textbuch auf dem Tisch habe und und es spielen soll.

1:24:16 Es gibt also wie, wo da die Qualitätsunterschiede sind, wo, wo ich gar nicht groß. Text lernen muss, weil der sofort in die Schnauze geht und. Weil er fließt. Ja, und und weil er eben realistisch ist, sage ich mal selbst. Auch wenn es eine künstlerische Sprache ist, Shakespeare zum Beispiel. Also ich bin großer Shakespeare Fan, und das ist ja keine heutige Sprache, aber trotzdem ist es so aktuell und es geht so leicht in den Mund, mir zumindest.

1:24:51 Und dann gibt es andere Stoffe und andere Bücher, wo ich denke, wie ging dieser blöde Satz noch mal, weil er so gedrechselt ist und so literarisch ist. Er schachtelt manchmal auch. Ja, und und und auch oftmals zu verkopft. Ja, das ist das ist, glaube ich, für dich auch so ein Adjektiv, das du gar nicht magst. Verkopft.

1:25:12 Nee. Das ist so, wenn eine ein Anweis zu verkopft ist oder wenn ihr Rand bei Dienstweise. Zu ja, weil auch da ist es ist es natürlich der Punkt. Was ich sagte, wir versuchen Emotionen darzustellen. Wir versuchen, aus dem Bauch rauszukommen, und wenn dann die Regie Anweisungen oder Erklärungen gibt, die aber das kognitive ansprechen, dann dann mache ich es natürlich unnötig schwer, weil ich dann den Kopf erst mal wieder ausschalten muss und das übersetzen muss in was emotionales und und das wieder in den Bauch runterkriegen muss. Eine gute Regie.

1:25:50 Spricht gleich die Emotionalität an und und spricht emotional mit den Schauspielerinnen und Schauspielern. Ich spreche zum Beispiel ganz oft auch mit den Kolleginnen und Kollegen in der in der in der Rolle, also ich spreche sie mit Rollennamen an und sage auch ja, aber Magda, was macht das denn jetzt mit dir, wenn er reinkommt und und.

1:26:17 Und und dann oftmals die Reaktion. Na ja, also meine Figur, die findet das ja schon irgendwie toll, ich sag nein, die Frage ist, was macht das mit dir, also Rede aus der ich aus Rede von dir und nicht von der Figur auch dann baue ich wieder ne ne ne Distanz auf und dann dann reden wir jetzt immer näher von außen betrachtet auf die Figur nein sag du mir was du empfindest wenn der reinkommt und wenn das mit dem ist was deckungsgleich ist mit dem.

1:26:48 Wo ich die Figur sehe, dann ist super, wenn es nicht deckungsgleich ist. Na gut, dann müssen wir die Szene irgendwie anders bauen, dass es deckungsgleich wird, und da wird oftmals eben zu sehr an den an den Kopf appelliert und und zu intellektuell zu viel Erklärung und auch aus der dritten Person, man redet über jemand anderen, aber es ist die Figur und. Ich mache es einfacher, wenn ich die an mich ran hole. Schreibst du Biografien über die Figuren für deine Schauspieler? Manchmal ja.

1:27:25 Also wenn wenn ich selber spiele. Das geht nur, wenn man das selber macht, also als Regie jetzt eine Biografie für die Figuren zu schreiben, funktioniert nicht, weil die die Biografien, das ist was Intimes, das geht auch niemanden was an. Wenn ich selber Spiele, mache ich das manchmal ja. Und wann kannst du sagen, wann du das machst? Also wobei dir das hilft, Biografien für deine Rollen zu schreiben.

1:28:02 Es hilft mir dann und dann mache ich es auch, wenn ich Figuren darstelle, die innerhalb der Geschichte. Ich sag mal eine große Altlast mit sich hochschleppen, wenn es Figuren sind, die die, wo es eine Vergangenheit gibt, die für das aktuelle Geschehen auf der Bühne oder vor der Kamera relevant ist oder relevant wird oder relevant werden könnte, dann. Definiere ich diese Vergangenheit auch konkret mit Orten, dass ich einfach Bilder im Kopf habe, dass das Kopfkino an ist und dass, wenn wenn weiß ich nicht, wir über den Selbstmord der Schwester oder den tragischen Autounfall der Eltern von damals in der Szene reden, ich ganz genau weiß. Wo ist das passiert?

1:28:58 Wann ist das passiert, was war das für ein Auto, welche Farbe hatte das Auto damals, wie sah mein Vater aus, wie sah meine Mutter aus, wie sah meine Geschwister aus und war das die A 3 oder die A 8 und wo sind die hingefahren und warum und wieso, weshalb dann baue ich mir diese Biografie, weil das Bilder, weil ich dann konkrete Bilder im Kopf habe, die in dem Moment, wo wir die Szene spielen, dann auch vor dem inneren Auge.

1:29:22 Erscheinen und daraus Impulse und Emotionalität entstehen. Du malst ja quasi die Nachtwache. Ich mal die ganze Zeit die Nachtwache. So in deinem Kopf, allerletzte Frage. Dann sind wir durch. Filme machen ist ja eine super harte Kunstform, eigentlich super komplex, warum machen wir Film, was glaubst du? Das ist ein Urinstinkt des Menschen. Also Geschichten erzählen.

1:29:47 Damit hat die Menschheit angefangen, daraus hat sich Sprache entwickelt. Wir haben Bilder an, an an die Wände von Höhlen gemalt und geritzt. Also und und, und damit Erlebnisse und und und Geschichten weitergegeben bis heute bei den Aborigines und anderen Urvölkern kann man das ja heute noch beobachten, dass sie ihre Geschichten malen, statt sie zu erzählen.

1:30:19 Also das heißt, das Erzählen von Geschichten, von Erlebnissen ist seit Menschengedenken in uns drin. Es gibt dann unterschiedliche Formen, ich kann das über die Malerei, über die Bildhauerei, über die Musik, über die Fotografie, über Theater, Film, Poesie, Dramatik, Prosa und. Unterschiedliche Ausdrucksformen dessen aber im Prinzip ist es das Geschichtenerzählen, was mich am Filmemachen interessiert, ist, dass das ein Medium des Geschichtenerzählens ist, das auf der einen Seite sehr realistisch ist, auf der anderen Seite aber auch sehr fantasievolle Welten aufmachen kann und dass es eben. Ein Medium ist, wo mich die, die, die die Komplexität gerade daran reizt und und die Vielschichtigkeit Freunde von mir sind Schriftsteller und ich,

1:31:35 ich bewundere das immer, wie wir den ganzen Tag vor dem Rechner sitzen können und schreiben und schreiben und schreiben und schreiben. Ich bin da eher der Praktiker. Ich schreibe zwar auch meine Drehbücher, aber wenn die dann fertig sind, bin ich auch wieder froh, auf der Bühne oder vor der Kamera oder so und so zu stehen und einfach zu machen und, und das interessiert mich beim Filmemachen, diese verschiedenen Gewerke, Kamera, Kostüm, Maske, Set und so weiter produktionsdesign, Produktion, Finanzierung, diese ganzen unterschiedlichen Baustellen zusammenzubringen und am Ende ist dann das eine Werk. Hinten, was denn, was denn dabei rauskommt? Also diese Komplexität, die, die mag ich daran, und das fasziniert mich daran.

1:32:24 Ist doch ein schönes Schlüsselwort. Dann sage ich Dankeschön gerne und Cut. Danke an Michael Schäfer für das tolle Interview. Ich hoffe es hat euch gefallen. Kleiner Fun Fact dazu, es war das allererste Interview, das wir je für Mastercard gemacht haben vor ich glaube jetzt mittlerweile schon 5 Jahren oder so, also ist es immer wieder interessant zu sehen wie sich das Ganze so entwickelt hat, ich hoffe es hat euch gefallen, ich hoffe ihr konntet etwas für euch mitnehmen und ansonsten sehen wir uns wieder hier nächste Woche an der gleichen Stelle hier bei mastercard.